平面设计风格自然(国际主义平面设计风格)

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平面设计风格自然(也被称为国际主义平面设计风格)是一种以简洁、现代和功能性为特点的设计风格。这种风格强调对形式和功能的平衡,追求纯粹而直接的传达信息的方式。

自然主义平面设计的起源可以追溯到20世纪初的欧洲。跨国公司开始在世界各地拓展业务,需要一种能够有效传达品牌信息和价值观的设计风格。于是,设计师们开始寻求一种能够跨越语言和文化边界的设计语言。这就是自然主义平面设计风格的诞生。

自然主义平面设计风格以简洁明了的排版和几何形状为特点。设计师经常使用大胆的对比和清晰的线条来引导观众的目光。颜色方面,常使用鲜艳的颜色和高度饱和度的色彩,以强调品牌的个性和活力。

与许多其他设计风格不同,自然主义平面设计追求功能性和实用性。设计师更关注视觉意义而不是装饰效果。他们试图通过简化和去除多余的元素来传达信息。这种简约的风格使得观众能够更快地理解和接受信息,并与品牌产生共鸣。

自然主义平面设计还强调平衡和对称。设计师经常使用对称的布局和几何形状,以创造一种稳定和有序的感觉。这种平衡的布局使观众能够更容易地理解信息,并产生积极的情感体验。

自然主义平面设计还注重合理使用负空间。负空间是指设计中没有被使用的空间部分。设计师可以通过巧妙地运用负空间来增强视觉效果,使设计更加简洁和清晰。这种利用负空间的方式也能够引导观众的目光,并增加设计的视觉冲击力。

自然主义平面设计风格是一种简洁、现代和功能性的设计风格。它强调对形式和功能的平衡,追求纯粹而直接的传达信息的方式。这种设计风格具有广泛的适用性,能够跨越语言和文化边界,有效传达品牌的价值观和个性。无论在品牌标识、海报设计还是包装设计等领域,自然主义平面设计风格都能够起到突出品牌形象和价值的作用。

平面设计风格自然(国际主义平面设计风格)

谢邀,刚开始初学者脑子里存货不多自然会有些不知所措,所以才要多看优秀的作品。

多看、多练、多思考分析、多临摹,学习设计这几个字必不可少。

因为开始只是进行基础设计知识和软件的学习,见过的作品有限,所以才要多看优秀的作品,看的过程不是看一眼就完了,还要学会思考分析。我们需要了解这个作品优秀的地方在哪里:是整体配色比较好,还是整体的对齐方式?是字体的效果做的很棒还是整体构图很有创意?是字体设计的不错还是整体排版段落有序,行距字距都让人觉得舒服?是图片选择有趣还是裁剪得体?多方面的思考相信肯定会学到一些东西的。多练,比如看到某个作品中的字体效果不错,那自己是否可以拆解学习到那个字体效果,积累一些经验,以后自己作图的时候可以适当的用到。要学会学以致用,举一反三。

多临摹,临摹其实也是个思考分析的过程,不过临摹一定要找一些好的作品才可以,一定要多领悟临摹作品的精髓,不断的积累,以后自己作图也会有更多的创意和想法。

平面设计中的创意性是很重要的,,建议你这样试试看:

1、多看专业设计网站的优秀作品,培养美感,知道优秀的设计是怎样的,建立起自己的素材库,潜意识的那种;

2、收集研究一些竞标和比赛的案例,就一个题目,看别人是是怎么想的,大概得思路以及创新的地方,想得多,自然会有灵感了;

3、自我挑战,每天花一定时间进行有主题的创意训练,逼迫自己主动创造,慢慢就形成能力了。 这样做的好处:所谓的创意也是在积累到一定程度后的爆发,正如水要烧到100度才回开滚,上面方法持之以恒,就能潜移默化的提升自己的创意水平了。 注意事项:1、坚持;2、坚持;3、当你坚持不了的时候,看看前面两条建议。

瑞士平面设计风格

克林姆特画的特点是形象简洁、线条流畅、色彩纯净。

因为克林姆特注重对形态的简洁表现,画面中的形象及物品表现都极为简洁。

其线条流畅、有节奏感、富有节奏变化,给人以极强的视觉冲击力。

其色彩纯净、光线准确、运用层次感强的色彩技巧,描绘出了艺术家虚构的空间。

这是克林姆特画的主要特点。

克林姆特画作为现代西方绘画的重要流派之一,对于后来的抽象表现主义等艺术流派产生了重要的影响,同时也对于当今的艺术创作有一定的参考价值。

其简洁而强大的形式语言,为我们展现出了另一种因为简约而更丰富的艺术世界。

克林姆特画作品的特点就是抽象表现主义,非常强调色彩的运用和形式的自由。

这种风格强烈的表达了克林姆特的思想和情感,每个作品都非常独特且具有强烈的视觉冲击力。

克林姆特的画作还有一些常见元素,比如线条的粗糙和涂抹的痕迹,这些都是他独特的风格特点。

克林姆特的画作给艺术界带来了重要的启示,即抽象表现主义的艺术形式在当时的艺术领域是一种非常前卫的创新方式。

随着时间的推移,它逐渐影响到了更多的艺术家,成为了一种流行艺术形式,对于后代艺术家的创造也产生了很大的影响。

克林姆特的画作特点是:1. 抽象表现主义:克林姆特的画作以抽象表现主义为主,强调情感和内在生命状态。2. 充满了强烈的情感:他的画作常常充满了强烈的情感和矛盾的情绪,如孤独、恐惧、欲望等。3. 大尺度的画面:他的画作往往采用大尺度的画布,形式上比较大胆和雄壮。4. 多样的材料:克林姆特经常使用各种材料如灰泥、颜料、泥土、金属、布艺等,从而创造出丰富的质感和光线效果。5. 符号与象征:他的画作中常常出现各种符号和象征,如数字、字母、符号、线条、形状等等,这些符号与象征经常给予他的画作更深层的内涵。

克林姆特(Paul Klee)是一位瑞士画家,他的作品风格独特,具有以下几个特点:1. 彩色构图:克林姆特的作品色彩丰富,构图精妙。他善于使用几何形状和线条来描绘形象,同时运用明暗对比和色彩变化来表现画面的深度和层次感。2. 童趣风格:克林姆特的作品中常常出现童话般的形象和幻想元素,充满了童趣和想象力。他的作品中也常常出现一些幽默和诙谐的元素,让人感到轻松愉快。3. 抽象表现:克林姆特的作品中也有很多抽象元素,他善于运用形式和色彩来表现情感和思想。他的作品中也常常出现一些符号和象征,让人感到神秘和深奥。4. 多样性:克林姆特的作品风格非常多样化,既有抽象的作品,也有具象的作品,既有童趣的作品,也有严肃的作品。他的作品涵盖了绘画、素描、版画、水彩等多种艺术形式。克林姆特的作品具有极强的个性和独特的风格,他的作品对于现代艺术的发展产生了深远的影响。

克林姆特的画具有强烈的情感表达和抽象性特点

其画风独特,深受德国表现主义的影响,善于用色彩和线条表现出内心情感和精神状态,同时也融入了象征主义和神秘主义的元素

克林姆特的画作在德国表现主义运动中具有重要影响,对现代艺术的发展也有一定贡献,他的作品展现了抽象和内在情感的精神追求,对于当代艺术研究具有一定的启示作用

克林姆特画作特色在于特殊的象征式装饰花纹,画中主角大部分是女人,主题则为爱、性、生、死的轮回宿命。

A 将古典艺术造型和构图与装饰性的色彩和线条相结

B 创造出一种合有怪诞和幻想意味的风格 C 女性裸体画具有强烈的色情倾向

D 是一位独具艺术个性,又具有强烈民族风格的绘画大师

克林姆特是二十世纪初德国的一位著名画家,他的画作具有以下几个特点:1.抽象表现主义:克林姆特的画作大多数都是抽象的形式。他尝试着将内心的感受、精神状态和情感表达出来,而不是通过客观物体的描绘。2.鲜明的色彩:克林姆特的画作中常常使用鲜亮跳跃的色彩。他喜欢运用强烈的对比,如黑白、红绿等,以及高饱和度的色彩,来表现他内心深处的情感。3.粗犷的笔触:在克林姆特的画作中,笔触十分粗犷自由。他使用油画或画板上直接绘制的方式来表现自己的思想,通过笔触的力度和节奏来表现情感的厚重和激荡。4.主题的深度:克林姆特的画作主题多关于人类的内心情感、态度、意志等,通常把主要注意力集中在描写人物的精神世界和内心感受上。他的画作深刻地反映出当代人对生命和现实的思考和感悟。

克林姆特画有特点,他的作品中既有象征主义绘画内容上的哲理性,同时又具有东方的装饰趣味。他注重空间的比例分割和线的表现力,注重形式主义的设计风格。

克林姆特是德国表现主义画家,其画作有以下特点:

1. 强烈的色彩对比。克林姆特的画作色彩艳丽,运用了大量的色彩对比,既有服从空间的色彩,也有突破正常色彩应用的创意性色彩,表现了情感的冲动和思想的狂放。

2. 独特的线条处理。克林姆特的线条通常是错综复杂,颇具侵略性的,充满了张力,给人以强烈的情感冲击力。

3. 独特的形式处理。克林姆特的画作形式多样,大都由抽象图案和有别于自然的主题构成。他善于运用想象力,创造出具有独特个性的形象,将自己独特的精神世界表现在画布上。

4. 具有特殊的象征意义。克林姆特画作中的形象,常常有深层的象征意义,并且在不同的观者看来,往往会有不同的解释。

克林姆特的画作具有强烈的表现主义风格,常常用激烈的颜色和形式表达自我情感和个人观点,同时具有独特的创造性和象征性。

在创作上克林姆特的的绘画并没有像很多画家一样,局限于材料的限制,他将油画和壁画的创作方法结合,并且把金箔、银箔、羽毛、珊瑚等贵重的材料作为创作元素直接运用在他的绘画创作中,画面充满着各种材料本身的材料之美,并且运用沥粉、镶嵌、点彩等各种工艺技法,使得画面呈现出装饰性和图案性的高度统一,在处理画面时很他擅长运用“繁”与“简”的对比,将繁复与简单的对比运用到极致,通过这种对比构造的二维空间来取代传统绘画的画面纵深感。在艺术创作手法和艺术表现语言上都非常具有突破性。

平面设计风格有哪几种

建筑物的平面形式有很多种,以下是常见的几种:1. 矩形平面形式:建筑物呈矩形形状,各个方向相对均匀,适用于大部分建筑类型,如住宅、写字楼等。2. 方形平面形式:类似于矩形形式,但四个边长相等,常用于某些特殊建筑,如塔楼、钟楼等。3. 不规则平面形式:建筑物的平面形状没有规律,可能是多边形、弯曲形状或多个部分组合而成,适用于创意建筑、景观建筑等。4. T形平面形式:建筑物的平面呈“T”字形状,常用于大型综合建筑、购物中心等。5. L形平面形式:建筑物的平面呈“L”字形状,可用于大型住宅、学校等。6. U形平面形式:建筑物的平面呈“U”字形状,通常围合一个庭院或内部空间,适用于度假村、别墅等。7. V形平面形式:建筑物的平面呈“V”字形状,常用于大型会议中心、展览馆等。8. Y形平面形式:建筑物的平面呈“Y”字形状,适用于交通枢纽、高速公路服务区等。以上只是常见的几种平面形式,实际上还有很多其他形式,建筑物的平面形式通常根据具体的功能、场地条件、设计理念等因素进行选择和调整。

1、走廊式组合特点:是使用房间与交通部分明确分开,各房间相对独立,有门直接开向走道,房间与房间可通过走道互相联系。

2、套间式组合特点:是减少了走道,节约交通面积,平面布局紧凑。适用于展览馆、陈列馆等建筑。

3、大厅式组合特点:主体大厅使用人数多,空间高大,而与大厅相比辅助房间尺寸相差悬殊,依附在大厅周围并与大厅保持一定联系。适用于火车站、影剧院、体育馆、菜市场等建筑。

平面设计50种风格

平面设计风格,是指具有相同或者类似材质、形状、色彩等特征的设计作品,它们有着共通的设计思想或表现技法。敢于尝试不同的平面设计风格,便能打破千篇一律的视觉形式,能让你的设计作品变得更加多元,实现自我突破。 设计风格没有固定的套路和模式,每个人都可以自创独有的风格和形式,接下来列举的43种风格就是在以往的实践基础上,取得非常好的效果而总结出来的,具有很强的实用性,适合平面设计、视觉设计、包装设计、广告设计、印刷设计、UI设计、界面设计、动画设计、PPT设计等,所有平面类的设计。 作为平面设计师或初学者,知晓并了解这些设计风格,一方面能够帮助我们开拓设计视野,另一方面,也能让我们更好的去分类解读市面上纷繁复杂的设计作品,并拥有更广阔的创作思路,让你不再为视觉设计的形式感而发愁,更能不断地”看、思、学、做、用“,从而也让自己尽早迈入优秀设计师的行列里面去。 平面设计的风格有多少种?说实话,也不可能完全知道,因为平面设计的风格总是充满创造性的、开放、多元。但我可以肯定的是:下面罗列的这些风格,是目前你所能看到的最齐全的汇总,能帮你在脑海中,建立起类似元素周期表的风格分类。 在阐述这些设计风格之前,我先解释一下国际主义设计风格。 1、国际主义风格 第二次世界大战结束后,平面设计经历了一段时间不长的停滞。由于大战对于欧洲和亚洲各个国家带来了巨大的创伤,除了美国之外,国际的平面设计在风格上没有什么创新。经济的逐渐恢复和发展,促使了设计在二战后的发展,而市场的日趋国际化又对于设计的国际化面貌和特点提出了新的要求。到20世纪50年代期间,一种崭新的平面设计风格终于在联邦德国与瑞士形成,被称为“瑞士平面设计风格”(Swiss Design)。 由于这种风格简单明确,传达功能准确,因此很快流行全世界,成为二战后影响最大、国际最流行的设计风格,因此又被称为“国际主义平面设计风格”(the International Typographic Style)。 瑞士的国际主义平面设计是1959年瑞士出版《新平面设计》杂志时真正形成气候的。这本刊物是由维瓦莱利和其它三个巴赛尔设计家联合发行的,另外三个人是查里·罗斯,约瑟夫·穆勒·布鲁克曼、汉斯·纽伯格。这本采用3种文字(英文、法文和德文)发行的刊物成为瑞士国际主义平面设计风格的基本阵地,成为国际主义平面设计风格的中心和发源地,在平面设计史中具有重要意义。这份刊物最重要的作用在于把瑞士设计家的探索、试验、设计哲学和设计观念、新的瑞士平面设计方法论传达给世界各国的设计界,从而影响世界各国,促进瑞士平面设计风格成为国际主义风格。 我们详细介绍一下国际主义平面设计风格精神领导人约瑟夫·穆勒·布鲁克曼。 1934年至1936年他在苏黎世当学徒,1936年开设了自己的设计事务所,专门从事平面设计和展览设计,也兼摄影工作。 1945年战后集中在展示设计和插图设计,为各种剧院设计布景。 1951年,苏黎世音乐厅演唱会海报,苏黎世汤豪勒-格什沙夫特音乐会(the Tonhalle-Gesellschaft,Zurich,1951) 1958年,瑞士《新现代设计》发行人,主要编辑。 1957-1960年,苏黎世艺术学院教授 1963年,德国乌尔姆设计学院担任教授 20世纪60年代,苏黎世国际机场视觉传达系统(the SIGNAGE system,Zurichairport,late 1970) 20世纪70年代,瑞士联邦铁路视觉传达系统(Swiss Federal Railways,SBB) 1967-1988年为IBM的顾问 1996年8月 去世 平面设计著作: 《视觉传达史》:1971 "Geschichte der visuellen Kommunikation" (A History of Visual Communication) "《海报史》:Geschichte des Plakats" (A History of the Poster) 《平面设计网格体系》:1981 Published “Grid Systems in Graphic Design.” 《摄影海报-起源到现在》: 1989 Published “Fotoplakate - Von den Anfangen bis zur Gegenwart” (Photographic Posters - From their Origins to the Present Day) 设计思想:追求绝对的设计,主张非人格化、系统化、规范化和工整的原则,主张设计以传达功能优秀为最高目的宗旨;为了达到传达目的,设计加个人的偏好、顾客的特殊要求、宣传的压力都应该漠视不顾,唯一重要的是设计反应的时代感、现代感;设计应该以传达功能优秀为最高宗旨,充满活力和生动。 他的平面设计处理非常简明扼要,既有高度的视觉传达功能性,又有强烈的时代感,简单、明晰。他采用的摄影资料,都将摄影本身变成设计的元素,赋予摄影新的功能,他的摄影拼贴都非常强烈,并且结构简单,突出主题,能够使观众一目了然海报传达的内容。 他强调设计的社会使命及功能,在这一点上,他与包豪斯的奠基人一样,具有鲜明的现代主义设计运动的色彩,是一个主张社会工程目的具体的平面设计家。他在20世纪60年代设计了苏黎世国际机场的视觉传达系统,20世纪70年代又设计了瑞士的联邦铁路视觉传达系统,都有很高的功能性和简单易懂的特性,是他设计哲学的最好范例。 国际主义风格的根源应该说是与现代主义设计运动一脉相承的,特别是与包豪斯和荷兰的“风格派”运动等有密切的关系。国际主义平面设计运动和现代主义设计运动的两个关键人物,西奥·巴尔莫(1902-1965)和马克斯·比尔(1908-),都是毕业于包豪斯的瑞士平面设计师。巴尔莫是最早采用完全的、绝对的数学方式从事平面设计构造的设计家之一。马克斯·比尔则重视设计的一致性和统一性。1950年,比尔担任联邦德国“乌尔姆设计学院 ”(theHochschulefurGestaltunginUlm)的第一任校长。乌尔姆学院与战前的包豪斯设计学院是一脉相承的,最大的要点就是要把设计作为社会工程的组成部分,而避免美国设计简单赤裸的商业倾向。乌尔姆设计学院对于奠定国际主义设计风格起到决定性的作用。 50年代形成的国际主义风格的核心部分是无饰线字体的发展及广泛采用。新一代的平面设计家采用一种直接了当的新无饰线体,达到高度的、毫无掩饰的视觉传达目的。1954年,在巴黎工作的瑞士平面设计家阿德里安·弗鲁提格(1928-),创造了一套共有21个不同大小字号的新无饰线体,称为“通用体 ”(Univers)。50年代初期,阿明·霍夫曼和另外一个瑞士设计家马克斯·梅丁格合作创造出“新哈斯-格罗特斯克体”。1961年,新哈斯体在联邦德国正式出品,新名称是“赫尔维提加体”(Helvetica)。这种字体设计得非常完美,因此成为50年代到70年代当中最流行的字体。赫尔曼·扎夫(1918-)在40年代和50年代期间设计的几种字体被视为字体设计上的重大发展,如“帕拉丁洛体(Palatino1950)”,“米奥体(Melior1952)”,“奥帕迪玛体(Optima1958)”,扎夫的字体设计达到一个兼有功能特点和优雅细节的高度。。 作为二战前后最重要的平面设计中心之一,瑞士的巴塞尔和苏黎世两个城市对国际主义风格的形成起到重要作用,成为一个设计中心地区,涌现出了像艾米尔· 路德(1914-1970)、阿明·霍夫曼(1920-)这样重要的平面设计师。瑞士的国际平面设计风格是在1959年瑞士出版《新平面设计》杂志时真正形成气候的。这本刊物是瑞士国际主义平面设计风格的基本阵地、中心和发源地,在平面设计史中具有重要的作用和意义。 瑞士的国际主义平面设计在美国引起很大的震动,并在美国得到高速发展和广泛运用。最早促进国际主义在美国发展的是洛尔·马丁(1922-)。他于1947年开始在美国辛辛那提美术博物馆担任平面设计工作,他放弃了美国当时流行的写实插画方式而采用国际主义设计博物馆的展览、刊物和海报。另外一个把国际主义风格介绍到美国、并且推广的是洛杉矶平面设计家鲁道夫·德·哈拉克(1924-)。瑞士国际主义平面设计风格从50年代起在美国开始流行,一直延续了20多年。 美国采用了国际主义平面设计风格之后,极大地提高了美国科学技术出版物的普及和推广,对于美国的科学技术和工业生产,都有极大的、积极的促进作用。 我们是否看到苹果的设计是否也汲取了其设计的精髓? 2、苹果风格 设计理念:简洁,精致,优雅,高端感,科技感,品质感(高端、大气、上档次) 设计形式与方法:配色上,苹果擅长使用浅灰和深灰两种色彩,苹果的浅灰并非纯浅灰,而是渐变浅灰。在设计中,我们应当尽量避免纯黑色的出现,纯黑色太过压抑、不透气。 以简洁、简约为设计基调的公司,在字体的选择上,苹果也选择了无衬线的平黑体。无衬线字体能够让整体看起来更简洁、简约、更具有科技感与现代感。 思源黑体也是一个不错的替代字体。 苹果官网使用的是平黑体和Myriad字体进行搭配使用。字体的选择和各人审美有关,但是也是存在很多公理的。例如科技公司官网和产品应当使用黑体系的非衬线字体,这样视觉上更加干净简练。 排版构成:主文案永远是处在最重点的视觉位置。即主要产品特性文案一定居中展示。 字体间距宽松。字体采用加粗强调,大小及字体颜色深浅(即黑白灰)来分清主次。 坚持一个文案配一套渲染图。这样的好处在于每一个产品特性文案都能在视觉上落到实处,由此不会产生枯燥、无说服力的阅读体验平面设计风格。 平面设计风格大面积留白。这即说明文案的精简,也说明在排版上设计者给予产品图片、文案充足的视觉延展空间,能带来非常干净、空旷的视觉感,对产品整体的气质提升带来巨大的作用。 MUJI的设计风格是否在苹果风格基础上更体现出了一些性冷淡的设计风。 3、中国风格 中国风设计包含复古中国风与现代中国风,两种在色彩形式上稍有区别。 设计理念:复古,传统,韵味(融入中国元素与色彩) 设计形式与方法:古典中国风,即复古的中国平面设计风格,是建立在中国传统文化的基础上进行的设计。中国平面设计风格色彩主要有大红、粉红色、蓝灰色、黑灰色、水绿、白色 浅绛色、深黑、淡蓝色、淡黄色、浅黄色等,中国风传统素材一般常见的有中国结、青花瓷 水墨画、古代纹饰图案、书法、篆刻、印章、灯笼、茶具、古代器具、古式建筑、青铜器、青铜纹、龙凤、灵兽、中国传统节日等,只要是中国传统文化中的元素都称为中国风传统素材。 现代中国风(现代,简约,大气),现代中国风平面设计风格,即根据现代审美设计的中国风格,是建立在中国传统文化的基础上,蕴含大量中国元素并适应全球流行趋势的艺术形式或生活方式。 Nodyoung是设计师艺术家,通过他我们可以了解到这个风格,所以取名为NOD风格,NodYoung,即杨一兵,男,38岁,毕业于清华美院,是一位在北京业内小有名气的视觉设计师。早在老罗创办英语培训的时候,就把他邀来设计海报,为当时老罗英语的病毒式营销助力不少。在当年在做一个理想主义者创业的故事III剧场演讲时,老罗还特意拿出来说了说Nod加入后为自己设计海报的事情。 设计理念: 新颖、潮流、绘画、靓丽(Nodyong的漫画风) 设计形式与方法: 通过简便、色块插画的形式组合图形与设计语义,给人潮流、新颖的感官效果。 5、光感透气叠加风格 设计理念: 光感 ,渐变, 氤氲感。 设计形式与方法: 具有光感的半透明渐变叠加平面设计风格。叠加方式融入新的视觉元素——光感。 光因为其剔透,纯净,反射的特性,一直被人们所青睐着。 人们不再满足于简单的色彩叠加,增加光感的设计将会为产品增添更多的未来迷幻属性。可以通过Photoshop或者AI软件轻松实现。 设计理念: 关键词:解构 ,反逻辑 ,通感体验。 将主体物用解构的方式赋予其全新感官体验。 设计形式与方法: 物体是由形状,材质,颜色,排列等维度所构成的。若将主体物进行打碎、分解、叠加等方式进行重组解构,从逻辑上打破其固有感官印象,由此物体将被赋予全新的含义。这种图形通感化解构的手段会让人在视觉,味觉,嗅觉等多个方面触发人的通感,从而引发人们对画面下深层内涵的联想与思考。![图形通感 ps://upload-images.jianshu.io/upload_images/1966987-87d56d9ed9dd172f.jpg?imageMogr2/auto-orient/strip%7CimageView2/2/w/1240 )设计理念: 怀旧,虚构,蒸汽机 设计形式与方法: 蒸汽朋克平面设计风格是一个合成词,由蒸汽steam和朋克punk两个词组成。蒸汽自然是代表了以蒸汽机作为动力的大型机械了。朋克则是一种非主流的边缘文化,用街头语对白书写的文体,它的意义在于题材的风格独立,而非反社会性。 蒸汽朋克的作品往往依靠某种假设的新技术,如通过新能源、新机械、新材料、新交通工具等方式,展现一个平行于19世纪西方世界的架空世界观,努力营造它的虚构和怀旧等特点。设计理念: 超写实风格也叫做拟物风格。空间层次,场景画面,视觉错觉扩展,极高的色彩分辨率,精确度和细节。 设计形式与方法: 超级写实主义作品更多地关注细节和对象。作品并不是实际物体的严格诠释,也不是某一个场景或主题的文字插图。相反,它们利用其他的,往往是微妙的元素来创造实际上不存在或者人的眼睛不能看到的现实幻觉。 9、三维纯色渲染风格 设计理念: 平面立体感,纯色,空间感。 设计形式与方法: 统一三维物体的色系,将立体画面平面化。 随着C4D的流行,三维的表现形式在设计中变得愈演愈烈。不过在后扁平化时代,如何在扁平与立体的形式中间寻找平衡是大家关注的焦点,而三维纯色渲染恰恰是一种很好的尝试。 空间感的布局拓展了画面深度,同时物体纯色系的渲染方式又强化了画面的平面感。设计将干扰人们注意力的因素排除,只留下需要传达的主题部分,令人印象深刻,这样的形式已经在摄影及三维艺术中流行起来,充满仪式感的画面让设计者爱不释手。 设计理念: 个性,自由,粗狂,神秘,冷酷。 设计形式与方法: 工业loft的设计风格是时下很多追求个性与自由的年轻人的最爱,这种风格本身所散发出得粗狂、神秘的特质。 11、哥特风格 设计理念: 高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖、是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的、多装饰的。 设计形式与方法: 哥特风格主要特征为高耸、阴森、诡异、神秘、恐怖等,被广泛地运用在建筑、雕塑、绘画、文学、音乐、服装、字体等各个艺术领域,哥特式艺术是夸张的、不对称的、奇特的、轻盈的、复杂的和多装饰的,以频繁使用纵向延伸的线条为其一大特征,主要代表元素包括黑色装扮、蝙蝠、玫瑰、孤堡、乌鸦、十字架、鲜血、黑猫等等。 哥特(Gothic),又译为“歌德”,原指代哥特人,属西欧日耳曼部族;哥特也是一种艺术风格,最早是文艺复兴时期被用来区分中世纪时期(5 15世纪)的艺术风格,它的源由是来自于曾于公元3 5世纪侵略意大利并瓦解罗马帝国的德国哥特族人。在15世纪时,意大利人有了振兴古罗马文化的念头因而掀起了灿烂的文艺复兴运动,由于意大利人对于哥特族摧毁罗马帝国的这段历史情仇始终难以释怀,因此为了与这段时期有所区分,他们便将中世纪时期的艺术风格称呼为“gothic”,即“哥特”,意为“野蛮”,尽管“哥特”这个词多少有些负面的意味,但为数众多的哥特风格作品其艺术价值是非常高的。 设计理念: 立体字效果,非常的简单粗暴,能够快速突出主题,冲击力强,常用于促销、开业庆典等活动。细节处理的不好,往往会比较缺少品质感。你可能不太喜欢这种风格,但作为设计师,你还是要懂这种风格,也许你的客户会喜欢哦。 设计形式与方法: 用PS、AI、CDR、Rhino、C4D、3ds Max等三维软件来实现;先字体设计然后特效合成,即先做好字型,然后造出立体效果,再融合一些特效。 设计理念: 图片合成风格的平面设计,其创意十足,效果炫酷。这对材质、透视、以及光影的细节刻画,要求比较高。 设计形式与方法: 通过Photoshop软件的强大图像处理功能,没有你做不到的,只有你想不到的,通过大量素材选取,通道、蒙版、选区、滤镜、图层样式5大功能合成特效。 设计理念: 通过夸张的比例,独特的视角,搭建起来的图片合成场景,其创意十足。 设计形式与方法: 素材选取、合成特效、光效处理、对比处理、同图片合成风格的思路类似,主要是运用夸张的比例,来实现这种超现实的感觉。 设计理念: 双重曝光,是摄影的一种拍摄技法。是指在同一张底片上,进行多次曝光,其成片效果充满神秘,富有想象力、以及超现实的文艺气息,让人难以言喻。 设计形式与方法: 素材选取,用PS软件特效合成;找一张轮廓清晰的人像形象或者角色形象,再结合其它主题图片,做剪贴蒙版效果,注意调整不透明度。 双重曝光(Double Exposure)指在同一张底片上进行多次曝光,是许多人接触相机必玩的技巧,神秘又让人难以言喻的视觉效果常常让人沉迷其中。现在的中高级自动相机都有多次曝光功能,利用功能设置就能设定多次曝光。 设计理念: 扁平化风格,就是去除冗余、厚重和繁杂的装饰效果,让"信息"本身被凸显出来。在设计元素上,强调了抽象、极简和符号化。在平面设计领域,使用扁平风格元素,可以解决没有合适素材的难题。 设计形式与方法: 通过PS、AI软件,采用图形绘制、造型与色彩搭配的形式创作。 扁平化概念的核心意义是:去除冗余、厚重和繁杂的装饰效果。而具体表现在去掉了多余的透视、纹理、渐变以及能做出3D效果的元素,这样可以让“信息”本身重新作为核心被凸显出来。同时在设计元素上,则强调了抽象、极简和符号化。 例如:Windows、Mac OS、iOS、Android等操作系统的设计已经往“扁平化设计”发展。其设计语言主要有Material Design、Modern UI等。 扁平化的设计,尤其是手机的系统直接体现在:更少的按钮和选项,这样使得UI界面变得更加干净整齐,使用起来格外简洁,从而带给用户更加良好的操作体验。因为可以更加简单直接地将信息和事物的工作方式展示出来,所以可以有效减少认知障碍的产生。 扁平化的设计,在移动系统上不仅界面美观、简洁,而且还能达到降低功耗、延长待机时间和提高运算速度的效果。Android 5.0就采用了扁平化的效果,因此被称为“最绚丽的安卓系统”。 “Flat Design”为“扁平化设计”的英文名,这个概念在2008年由Google提出。但围绕“Flat Design”这个名字则存在着诸多争议,现在你所看到的这个名称“Flat Design”也并未被大家所完全认可。 不同的公司团体都尝试用过其他名称,例如Minimal Design, Honest Design,而微软公司甚至称它作 “Authentically Digital”。 设计理念 :一般应用于扁平化图形或文字,以增加立体效果,既简单又容易出效果。 设计形式与方法: 用PS、AI软件绘制基本图形,在PS中手动制作长投影,这是最为精准的办法,或者用AI的混合工具。也可以用现成的PS动作来制作这种效果。 18.文字图形风格 设计理念 :以汉字或字母,作为基本元素,重新组合构成新的视觉图形。具有非常直观的视觉效果,并且创意十足! 设计形式与方法: 通过PS、AI、CDR、C4D等软件将文字组合造型;用PS制作,能实现更为精细的效果。如果你想快速实现图形文字的拼接效果,可借助插件Word Art来实现,地址: https://wordart.com/ (仅支持英文字母) 19.图形文字风格 设计理念 :以图形、图标等基本形作为基本元素,重新组合构成新的文字视觉图形。具有非常直观的视觉效果,并且创意十足! 设计形式与方法: 通过PS、AI、CDR等软件将文字作为轮廓;用PS制作,将图形填充到文字轮廓产生文字图形效果

国际主义平面设计风格

第二次世界大战结束后,平面设计经历了一段时间不长的停滞。到20世纪50年代期间,一种崭新的平面设计风格终于在联邦德国与瑞士形成,被称为“瑞士平面设计风格”(Swiss Design)。由于这种风格简单明确,传达功能准确,因此很快流行全世界,成为二战后影响最大、国际最流行的设计风格,因此又被称为“国际主义平面设计风格”(The International Typographic Style)。国际主义风格的根源应该说是与现代主义设计运动一脉相承的,特别是与包豪斯和荷兰的“风格派”运动等有密切的关系。国际主义平面设计运动和现代主义设计运动的两个关键人物,西奥·巴尔莫(1902-1965)和马克斯·比尔(1908-),都是毕业于包豪斯的瑞士平面设计家。巴尔莫是最早采用完全的、绝对的数学方式从事平面设计构造的设计家之一。马克斯·比尔则重视设计的一致性和统一性。1950年,比尔担任联邦德国“乌尔姆设计学院 ”(theHochschulefurGestaltunginUlm)的第一任校长。乌尔姆学院与战前的包豪斯设计学院是一脉相承的,最大的要点就是要把设计作为社会工程的组成部分,而避免美国设计简单赤裸的商业倾向。乌尔姆设计学院对于奠定国际主义设计风格起到决定性的作用。50年代形成的国际主义风格的核心部分是无饰线字体的发展及广泛采用。新一代的平面设计家采用一种直接了当的新无饰线体,达到高度的、毫无掩饰的视觉传达目的。1954年,在巴黎工作的瑞士平面设计家阿德里安·弗鲁提格(1928-),创造了一套共有21个不同大小字号的新无饰线体,称为“通用体 ”(Univers)。50年代初期,阿明·霍夫曼和另外一个瑞士设计家马克斯·梅丁格合作创造出“新哈斯-格罗特斯克体”。1961年,新哈斯体在联邦德国正式出品,新名称是“赫尔维提加体”(Helvetica)。这种字体设计得非常完美,因此成为50年代到70年代当中最流行的字体。赫尔曼·扎夫(1918-)在40年代和50年代期间设计的几种字体被视为字体设计上的重大发展,如“帕拉丁洛体(Palatino1950)”,“米奥体(Melior1952)”,“奥帕迪玛体(Optima1958)”,扎夫的字体设计达到一个兼有功能特点和优雅细节的高度。。作为二战前后最重要的平面设计中心之一,瑞士的巴塞尔和苏黎世两个城市对国际主义风格的形成起到重要作用,成为一个设计中心地区,涌现出了像艾米尔· 路德(1914-1970)、阿明·霍夫曼(1920-)这样重要的平面设计师。瑞士的国际平面设计风格是在1959年瑞士出版《新平面设计》杂志时真正形成气候的。这本刊物是瑞士国际主义平面设计风格的基本阵地、中心和发源地,在平面设计史中具有重要的作用和意义。瑞士的国际主义平面设计在美国引起很大的震动,并在美国得到高速发展和广泛运用。最早促进国际主义在美国发展的是洛尔·马丁(1922-)。他于 1947年开始在美国辛辛那提美术博物馆担任平面设计工作,他放弃了美国当时流行的写实插画方式而采用国际主义设计博物馆的展览、刊物和海报。另外一个把国际主义风格介绍到美国、并且推广的是洛杉矶平面设计家鲁道夫·德·哈拉克(1924-)。瑞士国际主义平面设计风格从50年代起在美国开始流行,一直延续了20多年。美国采用了国际主义平面设计风格之后,极大地提高了美国科学技术出版物的普及和推广,对于美国的科学技术和工业生产,都有极大的、积极的促进作用。

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